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Close. This painting strikes for the raw, high-violence that is represented, for the immediacy of the subjects, the theatrical taste typical of the baroque and the wisdom with which colors are used.
el'impassibilità The coldness of Judith, his effort to hold the head of Holofernes, the general who in turn tries to dismiss the servant who helps the protagonist to behead him.
This issue was addressed by Caravaggio, but unlike the Lombard master painting by Artemisia has autobiographical overtones.
Artemisia, era figlia del pittore Orazio, all’età di diciotto anni, nel 1611, si trovava ad aiutare il padre nella realizzazione degli affreschi di Palazzo Pallavicini Rospigliosi a Roma, quando venne stuprata dal pittore Agostino Tassi, collaboratore di Orazio Gentileschi.
Orazio sporse denuncia nei confronti del collega e riuscì a farlo condannare, in quanto si scoprì che era già sposato con un’altra donna e che questa era ancora in vita, quindi non si poteva unire in matrimonio con Artemisia.
in fact the first time the rate was willing to join in marriage with the girl, so repairing the wrong done.
Orazio and Artemisia, however, not knowing that the rate was married, at first not to report the fact of doing so only a few months later.
While the footage is taken from biblical iconography, in which the Jewish heroine Judith, was that he did fall in love with the Assyrian general Holofernes, whose soldiers were besieging the city of Betulia.
After having drunk the leader, Judith beheaded him, thus depriving the Assyrians for their valiant leader as captain, was therefore easy for the defenders put to flight the enemies.
Artemisia painted the scene with the maid of Judith along with his mistress when the decapitation was carried out, contrary to what we would like the Biblical tradition where The maid only to hide the head of Holofernes in a bag.
In the scene we see the ferocity that shows off great in Judith cut off the head of Holofernes;
scene that could be attributed to the painter's revenge against the rapist rates.
Artemisia uses the art of painting to express his bitterness and his contempt for his past and the man who abused her.
is clear that according to Artemisia, the sentence imposed on her rapist was insufficient and so she wanted to ensure that his story would remain imprinted in the cloth so as to remember all the pain in the following centuries.
A cry of despair of a young violated, an attempt to deliver to the history of the grievance and make everyone understand the suffering endured.
In support of this hypothesis, a rematch of the painter, we can compare with the Judith scene painted.
We can see that are very similar.
All The curvaceous heroine painted, closely resembles that of Artemisia. The thick dark hair of Holofernes refers to the hair of Agostino Tassi.
also add that the holy book betrays the idea that he wanted to abuse Judith Holofernes, then the data is taken and the parallelism is more than satisfactory.
L’azione nella scena è concitata e feroce allo stesso tempo, l’artista fa in modo che l’attenzione dell’osservatore non si concentri solo su un singolo particolare, ma sia portata a soffermarsi su tutti i dettagli della scena, il cui centro è da trovare nelle mani di Giuditta che recidono il capo di Oloferne.
Artemisia non fa niente per attenuare il particolare più cruento della composizione, anzi, cerca di aumentare la tensione dipingendo sul volto di Oloferne una smorfia di dolore e disperazione e macchiando il lenzuolo su cui posa il condottiero, con rivoli di sangue che sgorgano dalla ferita.
Giuditta non pare in alcun modo turbata, ma rimane ferma nella sua impassibilità, scostandosi leggermente e tenendo le braccia tese, forse perché inorridita, o forse per far sì che il sangue che erompe dalla testa di Oloferne non le macchi il vestito riccamente decorato.
Gli squarci di luce che mettono in rilievo le figure dei tre protagonisti derivano dalla lezione di Caravaggio, che artemisia conosceva bene in quanto amico del padre, e da quella di Orazio stesso, che tra gli allievi del Merisi fu forse il più attento e allo stesso tempo il più originale.
Le tonalità cupe sono tipiche del barocco e contribuiscono a conferire un tocco di teatralità alla scena.
I gesti e gli sguardi delle due donne sono studiati nei minimi dettagli, così come il disperato tentativo del guerriero che oppone, seppur invano, tutta la sua forza per impedire che l’eroina possa tagliargli la testa.
Dei due dipinti colpiscono i colori, luminosi e vibranti, in special modo quelli della veste di Giuditta, sono blu nell’esemplare napoletano e gialla in quello fiorentino, che esaltano tutta la femminilità della giovane, malgrado l’atrocità della situazione.
L’artista non vuole rinunciare ad offrire allo spettatore le forme generose di Giuditta, simbolo della pittrice. La cura e l’attenzione per i colori, per le vesti e per le forme delle protagoniste si avvertono in modo tangibile, basta dare una semplice occhiata alle stoffe e ai ricami per rendersi conto Hand and feminine touch that are behind this work of high quality paint.
violated a woman's hand that he wants to regain his name through painting.
Artemisia Gentileschi painted Judith and Holofernes in two copies, one of the later and most important dimensions, built in the early twenties of the seventeenth century and preserved in the Uffizi Gallery and another painted around 1612 and kept at the National Museum of Naples Capodimonte.
Philip Puglia
Taken by Dr. Giannini Federico Carrara
